La definición de ‘forma’ en el arte

El término forma puede significar varias cosas diferentes en el arte. La forma es uno de los siete elementos del arte y connota un objeto tridimensional en el espacio. Un  análisis formal de una obra de arte describe cómo los elementos y principios de la obra de arte juntos, independientemente de su significado y los sentimientos o pensamientos que pueden evocar en el espectador. Finalmente, la  forma también se utiliza para describir la naturaleza física de la obra de arte, como en la escultura de metal, una pintura al óleo, etc.

Cuando se usa en conjunto con la palabra arte como en forma de arte , también puede significar un medio de expresión artística reconocido como bellas artes o un medio no convencional hecho tan bien, hábilmente o creativamente como para elevarlo al nivel de bellas artes.

La forma es uno de los siete elementos del arte que son las herramientas visuales que un artista utiliza para componer una obra de arte. Además, para formar, incluyen línea, forma , valor, color, textura y espacio . Como elemento del arte, la forma connota algo que es tridimensional y encierra el volumen, que tiene longitud, anchura y altura, versus forma , que es bidimensional o plana. una forma es una forma en tres dimensiones y, al igual que las formas, puede ser geométrica u orgánica.

Las formas geométricas son formas que son matemáticas, precisas y pueden nombrarse, como en las formas geométricas básicas: esfera, cubo, pirámide, cono y cilindro. un círculo se convierte en una esfera en tres dimensiones, un cuadrado se convierte en un cubo, un triángulo se convierte en una pirámide o cono.

Las formas geométricas se encuentran con mayor frecuencia en la arquitectura y el entorno construido, aunque también se pueden encontrar en las esferas de los planetas y las burbujas, y en el patrón cristalino de los copos de nieve, por ejemplo.

Las formas orgánicas son aquellas que fluyen libremente, son curvas, nerviosas y no son simétricas ni fáciles de medir o nombrar. Ocurren con mayor frecuencia en la naturaleza, como en las formas de flores, ramas, hojas, charcos, nubes, animales, la figura humana, etc., pero también se pueden encontrar en los edificios atrevidos y extravagantes del arquitecto español Antoni Gaudí (1852 hasta 1926), así como en muchas esculturas.

la forma está más estrechamente ligada a la escultura, ya que es un arte tridimensional y tradicionalmente ha consistido casi principalmente en forma, con el color y la textura subordinados. Las formas tridimensionales pueden verse desde más de un lado. Tradicionalmente, las formas pueden ser vistas desde todos los lados, llamados escultura en la ronda o en relieve , aquellos en los que los elementos esculpidos de permanecer unidos a un fondo sólido, incluyendo bajo relieve , alto relieve , y de alivio hundidos . Históricamente, las esculturas se hicieron a semejanza de alguien, para honrar a un héroe o dios.

Sin embargo, el siglo XX amplió el significado de la escultura, anunciando el concepto de formas abiertas y cerradas, y el significado continúa expandiéndose hoy. las esculturas ya no son solo representativas, estáticas, de papelería, formas con una masa sólida opaca tallada en piedra o modelada en bronce. La escultura de hoy puede ser abstracta, ensamblada a partir de diferentes objetos, cinética, cambiar con el tiempo o estar hecha de materiales no convencionales como la luz o los hologramas, como en el trabajo del reconocido artista James Turrell .

Las esculturas pueden caracterizarse en términos relativos como formas cerradas o abiertas. una forma cerrada tiene una sensación similar a la forma tradicional de una masa opaca sólida. incluso si existen espacios dentro de la forma, están contenidos y confinados. una forma cerrada tiene un enfoque dirigido hacia adentro en la forma, aislada del espacio ambiental. una forma abierta es transparente, revela su estructura y, por lo tanto, tiene una relación más fluida y dinámica con el espacio ambiental. El espacio negativo es un componente principal y una fuerza activadora de una escultura de forma abierta. pablo picasso (1881 a 1973), alexander calder (1898 a 1976) y julio gonzalez (1876 a 1942) son algunos artistas que crearon esculturas de forma abierta, hechas de alambre y otros materiales.

Henry Moore (1898 a 1986), el gran artista inglés que, junto con su contemporáneo, Barbara Hepworth (1903 a 1975), fueron los dos escultores británicos más importantes en el arte moderno, ambos revolucionaron la escultura al ser los primeros en perforar la forma de sus esculturas biomórficas (bio = vida, mórfica = forma). ella lo hizo en 1931, y él lo hizo en 1932, señalando que "incluso el espacio puede tener forma" y que "un agujero puede tener tanta forma como una masa sólida". 

En el dibujo y la pintura, la ilusión de la forma tridimensional se transmite mediante el uso de luces y sombras, y la representación del valor y el tono. la forma se define por el contorno exterior de un objeto, que es cómo lo percibimos por primera vez y comenzamos a darle sentido, pero la luz, el valor y la sombra ayudan a dar forma y contexto a un objeto en el espacio para que podamos identificarlo por completo .

por ejemplo, suponiendo una sola fuente de luz en una esfera, lo más destacado es donde la fuente de luz impacta directamente; el tono medio es el valor medio en la esfera donde la luz no golpea directamente; la sombra central es el área de la esfera que la luz no golpea en absoluto y es la parte más oscura de la esfera; la sombra proyectada es el área en las superficies circundantes que está bloqueada de la luz por el objeto; El resaltado reflejado es la luz que se refleja de nuevo en el objeto desde los objetos y superficies circundantes. Con estas pautas en cuanto a la luz y el sombreado en mente, cualquier forma simple se puede dibujar o pintar para crear la ilusión de una forma tridimensional.

cuanto mayor es el contraste en el valor, más pronunciada se vuelve la forma tridimensional. Las formas que se representan con poca variación en el valor parecen más planas que las que se representan con mayor variación y contraste.

Históricamente, la pintura ha progresado de una representación plana de forma y espacio a una representación tridimensional de forma y espacio, a la abstracción. La pintura egipcia era plana, con la forma humana presentada frontalmente pero con la cabeza y los pies de perfil. La ilusión realista de la forma no ocurrió hasta el renacimiento junto con el descubrimiento de la perspectiva. artistas barrocos como caravaggio (1571 a 1610) exploraron la naturaleza del espacio, la luz y la experiencia tridimensional del espacio a través del uso del claroscuro, el fuerte contraste entre la luz y la oscuridad. La representación de la forma humana se volvió mucho más dinámica, con claroscuro y escorzo que le dieron a las formas una sensación de solidez y peso y crearon una poderosa sensación de drama. El modernismo liberó a los artistas para jugar con la forma de manera más abstracta. artistas como picasso, cubismo , rompió la forma para implicar movimiento a través del espacio y el tiempo.

Al analizar una obra de arte, un análisis formal es independiente del de su contenido o contexto. Un análisis formal significa aplicar los elementos y principios del arte para analizar el trabajo visualmente. El análisis formal puede revelar decisiones de composición que ayudan a reforzar el contenido, la esencia del trabajo, el significado y la intención del artista, así como dar pistas sobre el contexto histórico.

por ejemplo, los sentimientos de misterio, asombro y trascendencia que evocan algunas de las obras maestras del renacimiento más duraderas , como la mona lisa (leonardo da vinci, 1517), la creación de adam (michelangelo, 1512), la última cena (leonardo da vinci, 1498) son distintos de los elementos y principios de composición formales, como la línea, el color, el espacio, la forma, el contraste, el énfasis, etc. Calidad intemporal.

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• el arte de la escultura , enciclopedia del arte, #
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• los elementos del arte: forma, nivel de grado: 3-4 , galería nacional de arte, #
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